人物 ▏teamLab创始人猪子寿之其人！（文末有礼）

2018年

易烊千玺与国际当红的艺术团体teamLab合作

共同打造MV《灾overrun》

意识流音乐风格与高科技碰撞

给人别具一格的视觉冲击

现在

teamLab带着全球第二家“无边界美术馆”

来上海啦！

《建筑实践》前线带来

其创始人——猪子寿之先生的独家专访！

文末有超厉害的福利！！

teamLab创始人  猪子寿之

【关于猪子寿之】

猪子寿之，teamLab创始人，2001年刚从东京大学毕业并成为研究生时成立了teamLab。从理工男到设计师，猪子寿之说，这种转变源于他从小的两个热爱——一个是艺术，一个是科学，现在他不过是在做两者的结合，用充满科技感的数字技术做媒介，互动性地呈现艺术的奇妙效果，引发人们对自我、生命、生活的思考。

【关于teamLab】

teamLab是一个由跨学科技术人员组成的艺术团体。自2001年起开始活动，成员包括艺术家、程序员、工程师、CG动画师、数学家和建筑师等各个领域的专家，通过团队创作去融合艺术、科学、技术、设计和自然界。teamLab想通过艺术来探索人与自然、人与世界的新关系。数字技术让艺术从物质世界中解放出来，超越了界限。teamLab认为人与自然之间没有界限，自己与世界之间没有界限，彼此是相容相通的一个整体。世间万物都存在于一个漫长、没有边界、脆弱而又不可思议的生命延续之中。 

《建筑实践》 × 猪子寿之

\ 编者按 /

teamLab的作品让人沉溺其中的很大一部分因素是：由影像和平面创建出三维空间的幻觉，并扭曲了人们通常感知到的“时间感”；甚至在不同的展厅里，猪子先生以各种方式希望创造出打破墙壁、楼板的空间连续性。除了同一平面标高上的展览空间的流通和不同作品间影像的相融，很多视觉元素也是连续的——比如一个作品中的飞鸟是从另一展厅飞来的；从房间顶端落下的流水是由正上方的展厅淌下的等等。

在这次访谈当中，猪子先生谈到了自己作品的理念和出发点，建筑师在teamLab团队中的重要角色，以及自己心目中的理想展览空间等等。并超出这个展览本身，通过其在日本室外庭院中的最新作品，来向我们传达他对于自然中超过人类可感知的时间跨度的巨大力量的敬畏，以及怎样用自己的艺术手段来与之沟通，并给予观众对于万物“连续性”的启迪。

猪子先生说

访谈精选

Q：猪子寿之先生您好，您的作品给我带来了很多不同层面上的感触——比如空间、平面与影像的交织，沉浸其中带来的想象、幻觉与思考，人与装置的互动，以及观众之间的暗暗相连等等。我很好奇，在这么多不同层次的感官知觉背后，作品的原初出发点是什么呢？

猪子：其实，我们这些人与人、人与作品间的互动元素都不是刻意的，不是为了让大家认识到这些互动因素而把它做的特别显眼，而是自然地将其带入作品中。我想让大家想像这样的场景：我们进入到原始森林里，看到那些花、草，认识到人的存在会对它们产生某些影响——比如花会因被踩到而凋谢，水会因人走过而分流。我希望大家在不经意间回首，发现作品中的含义，从而重新审视人与自然、社会之间的关系。

Q：您能用几个关键词来概括这些作品吗？

猪子：我用个关键句吧：很多东西只是往复不断的自然循环当中的一个点，希望我们能够从连续性上去认知它们。

Q：我们知道，teamLab的团队由各行各业的人组成。您能谈谈建筑师在团队中的角色吗？

猪子：当然，建筑师在teamLab的团队里是非常重要的角色。因为我们是做体验为主，体验需要空间——我们不是在一成不变的空间里去做相同的作品，而是根据作品的体验性来设计空间的。所以，在我们的作品中，建筑、空间与作品不可分割；建筑的形式以及结构，都可以说是作品的一部分。

Q：那假如不考虑任何现实因素，由您自己设计一个美术馆去展示teamLab的作品，您会希望是怎样的空间呢？

猪子：（笑，又沉默了一段时间）首先，这个场馆的高度要非常高，要是能有三十米的话，就能最大限度地发挥我的作品了；而且面积能有十万平方米给我自由发挥的话就好了，哈哈。

Q：《建筑实践》杂志这一期在探讨“城市环境与公共艺术”这一话题。我感受到的“无界美术馆”的公共性体现在了三个方面——首先是直观的物理层面上，观众们共同身处于同一空间之中，凭借着与艺术的互动产生联系；第二是心理、意识层面上的，借由您的作品，人们会思考人与人、人与周遭环境之间的联系，而由此微妙地推动着整个社会中群体对自我、环境的认知；第三是展览的“事件性”——您的展览在世界各地都十分火爆，展览本身也成为了影响群体活动、社会话题、艺术风潮的一大盛事。

您自己认为，这件“无界”的作品怎样才能跨出此刻美术馆墙壁的界限，延伸至更广的时间、空间里呢？

猪子：相比于传统艺术，我们的作品想要表达的概念能够更动态地被感知到。在感知到作品的美之后，假如大家对美的概念、意识，甚至世界观能够有所改变，在离开场馆后，在日常生活当中也能够对他们的思想方式有所影响的话，那对我将会是特别开心的一件事。

Q：这次的 “无界美术馆”是在连续的室内人造空间之中的，而我了解到，您在日本九州御船山乐园展览的最新作品中很大一部分是在室外的庭院空间里完成的。同时，我们能够看到您各个作品中无处不在的自然元素以及对它们的思考，您会更希望在自然环境中创作吗？

猪子：从常规的思考角度来说，室内的作品更容易被控制，而室外有很多不可控因素，比如天气等等，操作起来非常困难。 御船山乐园那个作品的创作背景，是在经由了几千年历史而形成的山与森林中——一千多年以前人进入自然，留下了一些痕迹，比如庭院，还有名僧在山洞中雕刻的五百罗汉等等；树林里的树有三千多年历史，还有那些奇形怪状的巨石——漫漫时间长河所产生的微妙而又巨大的力量，被凝结进这样一个个自然的形态里。

人类对时间的认知是有上限的——我们对于超过人类生命跨度的长久时间的认知是局限的，而自然中的形态形成都经过了几千、几万年的岁月累积。我们只是这漫漫循环里的一个时间点，而无法感知到其连续——人类想象不出来！只有时间才能够制造出它们，而它们能够更好地带给人们对于“连续性”的启示……

我一直想在这种自然形成的物体上呈现我的作品，能够让大家超越自己的认知极限，认识到更远古时代生命的连续，并有所启迪。而且，在这种人们束手无策的形态上呈现作品，也是一件特别美、特别浪漫的事。

Q：在我看来，从室内到室外，改变的绝不仅仅是场所。由于人感受到的外部环境由无生命、平板的墙体和地面变为了有机的庭院——花草、树木、流水本身就有着它们自己的生命颤动。假如说室内空间里，影像为艺术表达的主体，墙壁和地板只是其载体，内部搭建的实体物也是为了改变画布的形态，从而带给影像更丰富的空间表现；那么，在自然环境之中，影像的投射似乎更加彰显出自然自身——此时，自然成为了表达、倾诉的主体，影像成为了使人更好去感知自然、感知人与自然关系的工具。

猪子：其实我们没有考虑太多表现主体的问题，只是表现的方式、手法不同。在室内，我更想把自然的长时间的变化用我们能够感知到的艺术形式来表现出来；而在自然当中，树林、岩石已经凝缩了很多的时间概念在里面，我们只是在上面叠加了一层作品的层次——我们想表达的主题都是相同的，只是方式根据现实因素而有所不同。

Q：对于多媒体艺术，影像只能在黑暗场所中、依靠墙壁与平面上的投射去显现，您会觉得这些条件是一种限制吗？

猪子：如果要画一幅油画，画布和笔也会是一种限制（编者注：媒介是枷锁，亦是工具）。多媒体艺术当然也会有它的限制所在，但是相比于传统艺术，其自由度已经很高了。

Q：您一直在创作中不断地前进、创新，那么接下来，基于现有的工作及成果，您有什么新的创作想法吗？

猪子：我想做一个有十万平方米那么大的空间（笑）……也想做一些比较难被定义的公共艺术形式，比如足够巨大的雕塑装置，人能够像进入建筑一样走到里面去体验——这样一种介于雕塑和建筑之间的新形态的作品。

Q：谢谢您配合我们的采访！我能和您一起趴着拍张照片吗？

猪子：哈哈，当然！

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后记

能看得出来猪子寿之先生整场发布会下来的疲惫，在展厅里趴着照相的短短几十秒的时间里，他已经几乎要睡着了。他似乎对于艺术理论上的思考并不过分执著，而是一个相当有干劲、不断前进与探索的实践者。在展厅之中的采访过程显得轻松和随意——他不遮掩自己的劳累，不停变换着可能更舒适的坐姿，最后索性趴倒下来（笑）（作为一个聚光灯下的艺术家，能在自己作品的环绕之中，面对一个个严肃的问题仍然保持着如此单纯、本真的态度氛围，也是一件很幸福的事）。

当我们作为最后一家访问媒体结束对谈后，他迅速爬起、走出展厅，在夜色中与团队人员抽起了烟——创作者永远都是最辛苦、疲惫，同时又最有激情的。

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疲惫的猪子寿之先生

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在做卷腹的猪子寿之先生

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采访 & 编辑  /  徐抒文视觉  /  jolie摄影/   hikari注：非现场拍摄照片均来源于teamLab

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